Cannibal Tours // Dennis O'Rourke (1988)

Cannibal Tours
de Dennis O'Rourke (1988)
Australia

"Is it allright to take pictures?"

Dennis O'Rourke le da un giro inesperado e interesante a lo que hablaba sobre Malle y Calcutta, toma a los turistas que buscan lugares 'exóticos' y los utiliza como personajes en este documental donde toman un tour por Papua Nueva Guinea, encontrándose con varias aldeas de gente que ya se encuentra acostumbrada a que los turistas les saquen fotos y les den una propina a cambio. Es interesante el impacto que ha tenido el turismo sobre estas personas, me impactó especialmente ver cómo incluso los turistas les piden que posen para la cámara o ellos mismos se mueven para que sólo salga en la foto uno de los niñitos. Los nativos saben perfectamente lo que le gusta a los turistas y lo que O'Rourke logra con esto es una tremenda deshumanización de los turistas, incluso se puede llegar a odiar la forma en la que hablan de los nativos, es totalmente discriminatorio y O'Rourke pone un punto de vista objetivo sobre el asunto, nos pone del lado de los nativos y nos muestra que hay algo mal ahí, evidentemente eso está mal.

Calcutta // Louis Malle (1969)

Calcutta
de Louis Malle
Francia (1969)

Es verdad que la gente viaja para buscar algo dentro de sí mismos, pensando que tal vez viendo otros lugar uno podrá ver hacia dentro de sí mismo, reflexionar y contemplar sobre a dónde se está dirigiendo su vida o qué se quiere hacer después de algún acontecimiento grande que nos pudo haber definido en cierto momento, esa es una buena razón para hacer un viaje, se aprende y se aprende mucho. Pero a veces sólo se viaja para alejarse de todo el ambiente en el que vivimos, una forma de escapar por decirlo así, no es tan mala razón, uno no se enfoca en aprender algo pero está abierto para el conocimiento que le venga. También se viaja por puro turismo, por ver un lugar diferente al 'normal', diferente a lo que se acostumbra ver y a veces dan ganas de ver algo exótico entonces se hace un registro, nada más se mira lo que hay y nada más, no es gran razón para viajar, no se está dispuesto a aprender ni reflexionar, no provoca ganas de saber más sobre algo. Sólo se vio lo que se quiere ver y no se ve más allá de lo que parece difícil o peligroso. Louis Malle visitó Calcuta y esto fue lo que grabó. Utiliza de sobremanera el telefoto, nos aleja de las personas y se nota que él mismo no tenía la intención de acercarse más, no se siente un interés por profundizar y acercarse a las personas.

Recuerdo en particular una secuencia donde hay una gran multitud en la calle, una manifestación y hay gente corriendo por las calles. Malle no hace nada más que grabar desde lo que parece ser una ventana, también con un gran lente telefoto y me remitió muchísimo a las miles de imágenes que circulan hoy en día de manifestaciones, donde gente común y corriente graba lo que sucede.
Me recordó en especial al documental de Burma VJ que se presentó hace 2 años en Ambulante, donde los camarógrafos clandestinos se volvían parte de la manifestación, mostrándonos qué pasaba para que pudiéramos entender todo y se notaba una necesidad por querer mostrarlo todo. Estos camarógrafos amateur tenían más ganas de profundizar que Louis Malle, que se quedó grabando desde un balcón y estos camarógrafos hasta saltaron bardas para salvar su vida cuando llegó la policía.

Fake Fruit Factory // Chick Strand (1986)

Fake Fruit Factory
de Chick Strand (1986)
México/U.S.A.

Mildred "Chick" Strand nos trae este retrato, cabe decir MUY íntimo, de mujeres mexicanas que trabajan para un jefe gringo en una fábrica de frutas falsas. Chick invade la privacidad de estas mujeres, ellas se lo permiten y está todo grabado en close-ups que no molestan mucho y le aportan mucho a la narrativa ya que las imágenes que se muestran crean una atmósfera muy íntima, muy de mujer, la temperatura de color es cálida y hay colores saturados pero no se sobrestauran, está un poco sobreexpuesto y le da calidez. Los close ups muestran el trabajo de las mujeres, el montaje es muy descriptivo, manos, bocas, ojos, brazos, cabello, espalda, retrata todo el cuerpo de la mujer, retrata la delicadeza y eficacia con la que hacen sus frutas dándole así una amplísima paleta de colores, una paleta de color femenina.
Teniendo a las mujeres tan en primer plano nos la muestra como son, se nota que una mujer dirige una mujer porque sabe cómo retratarlas, nos muestra sus risas y sus ojos, como dicen, los ojos son la ventana del alma. Teniéndolas en primer plano, todo lo demás sale de foco, creando así también una atmósfera de mundo en la que sólo las mujeres existen y aunque se habla del jefe, no sale tanto físicamente, la mayor parte del tiempo sólo se tiene la representación hablada.
El sonido también juega un papel importante. El documental al estar lleno de close-ups, todas las conversaciones suceden en off. No se ve que ellas hablen, sin embargo, entendemos que son sus voces las que cuchichean sobre sexo y temas íntimos de los que al parecer las mujeres hablan gran parte del tiempo, cuchichean sobre el jefe y sobre genitales, esto es un aspecto importante porque le da un nivel más a la atmósfera, respalda el ambiente femenino e incluso se utiliza música de la que sólo reconocí a Emmanuel pero siento que es música que acompaña muy bien un ambiente femenino.

La Pyramide Humain // Jean Rouch (1961)

La Pyramide Humaine (1961)
de Jean Rouch
Francia

En La Pirámide Humana, Jean Rouch realiza un experimento muy interesante, busca la creación de la realidad a partir de la ficción. Todo comienza con Rouch hablando con los adolescentes sobre la involucración de ellos dentro del proyecto que están por realizar. Después, vemos los créditos iniciales y muestran a Nadine, una chica francesa que acaba de llegar a Sudáfrica para estudiar con chicos europeos dentro de un mismo salón de clases con africanos. Es claro el tema que Rouch está buscando dentro de esta gran pieza de Cinema Vérité, busca encontrar la amistad entre europeos y africanos, el detonante de esto es la llegada de Nadine claro, ya que ella busca socializar con los africanos, invitando a sus compañeros europeos que hagan lo mismo.

Rouch le pide a estos adolescentes que asuman papeles y vayan desarrollando la situación a como sucedería según ellos en la vida real, es como un juego de rol y Jean Rouch graba lo que sucede pero sabiendo perfectamente lo que va a suceder y cómo se va a ver eso para poder llegar al tema que quiere tocar. El amplio conocimiento que tiene Rouch sobre ambas culturas y su gran habilidad para contar ficciones a base de la documentación de los personajes le ayudan para lograr este objetivo. Rouch les da completa libertad para personificar los papeles que quieren hacer provocando de esta manera que ellos no sepan el resultado sobre cómo se ven ellos mismos. Al final, cuando Rouch les proyecta la película, se encuentran viéndose a sí mismos y su personaje 'inventado' e incorporándolo así dentro de sus personas. Como dice el mismo Rouch, "cada quien descubre su propa imagen, entonces ficción se convirtió en realidad".

Jaguar // Jean Rouch (1967)

Jaguar (1967)
de Jean Rouch
Francia

El Cinema Vérité strikes back. Una vez más Jean Rouch nos trae esta película 'etno-ficticia' como le han llamado en un intento por clasificarla. Rouch reutiliza la forma en que Flaherty grabó el documental de Nanook donde creaba puestas en escenas que respaldaban lo que el documental quería decir, Rouch le da una vuelta de tuerca a esto y crea un documental etno-ficticio, no hay en sí una puesta en escena pero Rouch les da 'algo' que hacer a sus personajes y él los graba, claro habiendo ya hecho un gran estudio etnográfico sobre lo que quiere hacer y esta película retrata la vida de 3 jóvenes que deciden emigrar para encontrar un mejor lugar para vivir, más opotunidades de dinero y una vida plena. El documental retrata el viaje que ellos viven y un recurso que me gustó mucho es la voz en off que es la misma voz de los actores, se ven a sí mismos y se tratan humorísticamente hablando sobre cómo se sintieron al ver algo.

Una parte que me dio mucha risa y a la vez ternura, donde ven una especie de tubería y sale un humo que para ellos es extraño. En voz en off ella misma dice sobre su personaje que no sabe qué es ese humo pero que le da miedo pensar en eso, justo en ese momento hay un corte y sale ella otra vez cruzando el humo, mirándolo sospechosamente como si le fuera a hacer algo. Justo en ese momento se echa a correr y dice "Ah, sí, ¿Ves? Me dio miedo, me fui corriendo".

Una vez más, se nos muestra una mirada humana para retratar un país y 3 de sus habitantes. Rouch sabe perfectamente qué pedirle a sus protagonistas que hagan para que se logre la identificación que llegamos a sentir con estos tres personajes. Rouch no los trata como un simple turista con una cámara. Se siente cómo Rouch ama su cultura y sabe las maneras en que puede hacer resaltar estos aspectos sin alejarse de la humanidad de ellos. Es de verdad genial cómo puede hacer que algo sea tan bello e inocente, 3 personas viendo la playa por primera vez y teniéndole miedo a acercarse Y ser revolcado por una ola. Es simplemente magnífico.

Les Maitres Fous // Jean Rouch (1955)

Les Maitres Fous (1955)
de Jean Rouch
Francia

Es difícil hablar de este documental, es aún más difícil entender qué está pasando exactamente. Hay 4 etapas de estado emocional con este documental que creo pueden aplicar para toda persona que vea esta pieza de raros 30 minutos. Primero uno se siente confundido, luego perturbado, luego fascinado y al final uno queda totalmente entrañado a la película. Uno queda realmente entrañado con la película cuando se descubre la conclusión del documental. Me parece interesante cómo Jean Rouch comienza explicando el contexto social de Accra, Costa del Oro para después contraponerlo con las misas espirituales de los Hauka.
Rouch construye ese momento de la misa para primero confundiar y al mismo tiempo perturbar. Al principio uno se muestra interesado sobre lo que va a pasar pero después todo pasa muy de repente, no entiende que va a pasar cuando comienzan a sacrificar al gallo. ¿Con qué fin? ¿Porqué? Pero después me impactó mucho la rápida transformación de los Haukas y es ahí cuando uno comienza a entender o creer que está entendiendo lo que está pasando.

Todo lo que Rouch presenta antes de la misa queda olvidado, ese mundo pareciera que no existiera ahora, ya que vimos esto y estamos presenciando esta perturbadora y dramática misa pero se vuelve aún más interesante cuando se entiende que esto es una forma de suprimir la opresión del mundo occidental, es un ritual necesario para liberar sus almas de esas energías negativas y poder opresor occidentalizado que este pueblo está viviendo. Werner Herzog habla de esta película como un profundo vistazo dentro del más obscuro infierno y abismo del alma humana. Cuando se habla de esta película, sólo hay una forma de terminar y es de la misma manera de la película. Al ver la cara de estos hombres ayer y hoy es difícil evitar preguntarse a sí mismo. Dice que si estos hombres no conocieran este remedio que no los hace ver anormales, más bien los ayuda a adaptarse perfectamente a su entorno, remedio que nosotros no conocemos.

Nanouk L'Esquimau // Robert Flaherty (1922)

Nanouk L'Esquimau
de Robert Flaherty [1922]
Francia
A pesar de haber sido filmado en 1922, el trabajo de Robert Flaherty sigue siendo válido y creo que aún sorprendería a mucha gente. Siempre se dice que esto en esos tiempos era una obra de gran intelecto pero hoy en día lo sigue siendo y saber la verdad detrás de esto sigue siendo impactante o por lo menos yo lo siento así. El documental retrata la vida de Nanook y su familia, en eso cualquiera está de acuerdo pero siempre existe un dilema porque gran parte de lo filmado son representaciones de lo que en realidad sucede, son secuencias que tienen puesta en escena y aún así se siente como documental, esto abrió las puertas para el cinema veritè y eso lo hace aún más valioso. ¿Pero porqué es un documental si no todo lo que graba es como realmente está sucediendo? Varios años Godard explicó que el documental tiene ficción y la ficción tiene documental. Creo que es bastante válido crear un documental utilizando 'mentiras' por decirlo así siempre y cuando aporte para el discurso final de lo que se quiere decir en el documental.Hablando de Nanook y reflejando esto, me recuerda la secuencia inicial donde Flaherty comienza presentando a todos los personajes que es Nanook, su familia e incluso sus huskys. Los presenta también de una manera chistosa y me recuerda a ese chiste clásico que salen 20 payasos de un coche miniatura, ellos quién sabe cómo lo harán pero Flaherty utilizaba la magia del cine y del corte. Nanook llega en su canoa y se sale, baja de la canoa a su hijo, ayuda a salir a su mujer y de la canoa asombrosamente sigue saliendo y saliendo y saliendo más personas, es muy cómico que pase eso porque normalmente no se creería que quepa tanta gente en una canoa.
Bueno pues la magia del cine hizo que me la creyera y así fue durante todo el documental. No cabe duda que Flaherty lograba estas pequeñas genialidades para lograr crear una simpatía humana del espectador y Nanook, poder ver una película y sentirse identificado es para mí una de las mejores cosas que se puede enseñar en una película, es humano y de esta forma se pueden crear retratos perfectos para poder contarle a alguien que no sabe absolutamente nada sobre el tema y pueda entender perfecto cómo es la vida en otro lugar, un retrato preciso y humano. Empezando tan simple como "Este es Nanook, es un Inuit y esta es su familia".
Link para ver esta secuencia: http://bit.ly/USjsV