domingo, 9 de mayo de 2010

San Clemente // 1982



San Clemente
de Raymond Depardon y Sophie Ristelhueber (1982)
Francia

15 años después de Titticut Follies, Raymond Depardon y Sophie Ristelhueber nos traen otro documental sobre la ineficiencia de las instituciones psiquiátricas. A diferencia de Wiseman, esta pareja no nos muestra un retrato sobre un hospital psiquiátrico, nos muestra un retrato sobre el abandono que sufren los pacientes, Raymond y Sophie se acercan más a los pacientes, se muestran de manera más cálida y denotan confianza sobre los pacientes y los residentes, se hace un intento por conocerlos y de cierta manera entender sus problemas.Raymond y Sophien logran conseguir la posibilidad de deambular por los pasillos libremente mientras que cada quién puede interrumpir en su trayecto, hablar directamente con Raymond o con Sophie pero no hay un corte para omitir esto, Depardon busca tener una cámara omnipotente, busca que se sienta como un punto de vista donde casi no hay cortes y existosamente logra encuadrar y ajustar el encuadre para ver lo que Depardon quiere que se vea, sea magia, sea astuto o simplemente sea suerte, él logra encuadrar justo el momento exacto donde va a suceder la acción.En particular, recuerdo un momento en que está hablando alguien muy cerca de Raymond y Sophie, comienza a circular alrededor de ellos, repitiendo palabras y frases, a lo lejos se ve más gente caminando en dirección a ellos y Depardon mira hacia el cielo para tomar justo el momento exacto en que un avión sobrevuela el hospital psiquiátrico localizado en Venecia. Me parece interesante porque puede ser una analogía de que a todos ya se les va el avión, incluso a los mismos doctores.

Titicut Follies // 1967

Titicut Follies
de Frederick Wiseman (1967)
U.S.A.

Frederick Wiseman comenzó su carrera como abogado y fue en el año de 1967 que decidió convertirse en cineasta. Cuenta la historia de que Wiseman frecuentaba el Hospital Psiquiátrico de Bridgewater en Massachusetts, donde llevaba a todos sus alumnos que se encontraban estudiando Leyes para que miraran cómo y dónde terminarían los acusados de los casos en los que trabajen. Fue entonces que la mirada reclamatoria de Frederick entró en razón y decidió filmarlo todo.
"My films are based on un-staged, un-manipulated actions... The editing is highly manipulative and the shooting is highly manipulative... What you choose to shoot, the way you shoot it, the way you edit it and the way you structure it... all of those things... represent subjective choices that you have to make..." -Frederick Wiseman.
Wiseman decidió entrar al hospital psiquiátrico, filmar y resolver el tema en la edición pero claramente sabía a lo que se enfrentaba, desde el principio supo cómo se vería el documental y el impacto que tendría porque lo que se muestra está mal. Los pacientes son forzados a comer, a bañarse, a procedimientos quirúrgicos que arriesgan su vida y todo esto es de la forma menos ortodoxa que podría ser. Wiseman entra a Bridgewater con una cámara que observa y que a la vez critica todo lo que observa. Hace un impecable trabajo para delimitar el espacio y mediante este, reflejar la locura y la angustia que implica vivir ahí. Al ver lo mal que se trata a los pacientes sruge la pregunta, ¿quién está realmente loco para tratar a otro ser vivo de esta manera? Es aún más impecable la atmósfera que se crea, de angustia, desesperación, un lugar sombrío y que sobre todo, critica la ineficiencia del sistema americano, el cual se convierte en el discurso de Frederick Wiseman, la crítica al sistema.

Free Cinema // 1953-1955-1956

O Dreamland
de Linsay Anderson (1953)
U.K.
No film can be too personal.
The image speaks. Sound amplifies and comments.
Size is irrelevant. Perfection is not an aim.
An attitude means a style. A style means an attitude.
-Free Cinema

El Free Cinema Inglés fue un movimiento que emergió en los años 50s, buscaba contraarrestar las convenciones del cine Hollywoodense de aquellos tiempos. El término se refiere a la ausencia de la propagandización y el éxito de taquillas.
O Dreamland es el primer cortometraje que se filmó bajo estos parámetros, nunca se buscó que todos los documentales tuvieran la misma narrativa, ni que siguieran una estructura específica pero al verlos se dieron cuenta de que todos contaban con este pensamiento colectivo. Lindsay Anderson nos retrata un parque de diversiones junto con sus usuarios, quienes recurren a este lugar llenos de atracciones que ahora nos pueden parecer absurdas por las nuevas tecnologías. Atracciones tales como el museo de cera donde la gente puede ver las torturas de la Santa Inquisición. Nos lleva a cuestionarnos, ¿porqué debemos recurrir a estos lugares que como dice el título, son la tierra de los sueños? Recurrimos a la idea de que estos lugares nos proporcionarán la diversión que buscamos o seremos capaces de vivir nuestros sueños más profundos.

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Momma Don't Allow
de Tony Richardson & Karel Reisz(1955)
U.K.

Momma Don't Allow es un tributo al libre espíritu juvenil en los años 50s. La película se enfoca en un club de Jazz llamado Wood Green, donde está Chirs Barber tocando un jazz denominado "trad jazz". Este era el sonido 'underground' del que se hablaba en esos tiempos, significaba rebeldía, es como en los 80s cuando se escuchaba el Heavy Metal, se traía el cabello largo y se era muy atrevido. Tony Richardson y Karel Reisz utilizan este antro jazzero para retratar a los Teds y a los Toffs, muestran su rivalidad sobre quién es mejor en socializar, tomar y bailar.
A comparación con O Dreamland, este cortrometraje documental muestra más calidez y simpatía hacia sus personajes, ambos formaron parte del primer programa del Free Cinema pero nunca se pensaron como colaboraciones y de ninguna forma se compartieron manifiestos antes de que comenzara el movimiento. Dentro del documental se muestra un contraste entre los relajados Teddy Boys y sus novias en contra de los "Toffs" quienes parece ser que terminarán con el ambiente amigable de la velada._______________________________________________________


Together
de Lorenza Mazzetti (1956)
U.K.
Lorenza Mazzetti, nacida en Florencia, dirige la tercer película que forma parte del programa del Free Cinema Inglés y es la única ficción que incluso fue rodada en 35mm, nos muestra la vida de dos sordomudos viviendo en Londres, donde los ciudadanos que los rodean los molestan y se burlan de ellos, incluso los niños los tratan mal. Habiendo terminado un primer corte de la película, Mazzetti se lo mostró a Lindsay Anderson y este decidió ayudar con la edición y propuso la adición de sonido así como unas escenas extras, de esta forma, logrando introducir Together al programa de Free Cinema. El film nos da un sentimiento generalizado de soledad, la sordera provoca aislamiento del mundo exterior, el oído es probablemente uno de los sentidos más importantes del ser humano y no escuchar provoca en la persona un ensimismamiento y que por lo general sólo le permite comunicarse con la gente que es como él.
Lo importante de esta película y de todo el Free Cinema, es de que no sólo se retratan lugares o personas, se retratan sociedades, formas de pensar, de actuar y aún más importante, se retrata una época, la gente y el ambiente que existen en esta época. Esto queda aún más claro con Together, ya que además de retratar a la pareja de sordomudos, se retrata a los niños malcriados que los molestan, a las calles del este del Londres y a la sociedad que no les da ningún apoyo o soporte. Se muestra la preocupación por entender a los demás, tesis del free cinema, "ningún filme puede ser muy personal".

The Atomic Cafe // 1982

The Atomic Cafe
de Jayne Loader, Kevin Rafferty y Pierce Rafferty (1982)
U.S.A.
Es interesante lo fácil que se puede manipular la información cuando se tiene una sociedad basada en miedo y desinformación. Es aún más interesante convertir toda esta información en una sátira de la forma en que esto sucedió. Este documental utiliza como único recurso el material apropiado del material propagandístico de los años 50s y 60s en Estados Unidos, le da un giro al emparejarlo con algunas voces en off grabadas o música que le da un tono satírico. Provoca una barroquización del material que de por sí es absurdo y avienta las preguntas, ¿qué tan dispuestos estamos para pensar por nosotros mismos y cuestionar a la autoridad? Citando las sabias palabras de Timothy Leary. Tenemos que preguntarnos a nosotros mismos esto, los ciudadanos americanos se lo debieron haber preguntado también. No digo que no debamos de creer lo que nuestro amado gobierno nos dice, digo que deberíamos de dudar siempre de lo que no nos dicen.

Es un hecho que aún vivimos en una sociedad basada en el terror, este documental reflexiona sobre lo sucedido en Estados Unidos durante la Guerra Fría donde se vivía en un constante miedo de que en cualquier momento podría caer una bomba nuclear sobre las cabezas de cualquier norteamericano, la cual desataría una guerra nuclear a nivel mundial y probablemente exterminara con la vida como se conocía. Los videos propagandísticos del gobierno donde se mostraba una amigable tortuga animaba y enseñaba a sus compatriotas americanos la forma correcta de actuar en caso de una amenaza de que cayera una bomba atómica, verlo ahora me parece absurdo que mostraran eso, luce imposible saber que tuvieron el descaro de mostrar cosas así a los ciudadanos, dándoles falsas esperanzas de que si se agachan y se cubren van a sobrevivir una bomba atómica, una bomba que es probablemente 2, 3 y hasta 10 veces más poderosa que las bombas que los estadounidenses tiraron sobre Hiroshima y Nagasaki para terminar la Segunda Guerra Mundial.

Incluso es desagradable ver la forma en que se banaliza el miedo a la guerra nuclear, haciendo canciones amigables y divertidas sobre la nueva sociedad atómica, se volvió una cultura 'pop' y recurrente y así como dice el título del documental, había lugares con la palabra "atomic". Creo que de las cosas que más me impresionó fue el provecho que el gobierno sacó de esto para vender más y más productos para sobrevivir una catástrofe nuclear, como la idea de construir búnkers subterráneos con provisiones para sobrevivir varios días o utilizar trajes especiales a diario por si en cualquier momento cae la bomba, porque claro esos trajes no van a dejar que las personas se incineren.

martes, 13 de abril de 2010

Autorretrato, Parte II.

Check List para el Análisis de un Documental

Verdad.

· ¿Qué verdades se presentan en el documental?

Dentro del documental se presentará la verdad sobre la manera en que me siento con mi familia, cómo era antes y en lo que se ha convertido ahora ya que se transformó debido a un evento particular que es el distanciamiento de mi hermano.

· ¿Cómo se presentan estás verdades, con qué tipo de información?

De manera visual, con entrevistas e imágenes de archivo, fotografías y videos caseros, contrapuestos con imágenes actuales.

· ¿Qué verdades se han dejado fuera?¿De qué no se habla?

No pienso incluir a mi hermano en el tiempo presente, considero dejarlo fuera porque su elección fue esa hoy en día.

Punto de vista
.

· ¿Desde que punto de vista está realizado el documental? ¿Qué perspectiva ofrece de los sucesos, lugares y personajes que aparecen?

Se realiza desde el punto de vista mío junto con el de mis padres, es un punto de vista que va en contra de mi hermano, no se expone su punto de vista pero se expone el nuestro que es lo opuesto al suyo. Se jugará con el pasado y con el presente, el pasado incluye a mi hermano y en el presente se encuentra ausente, los testimonios le darán redondez al asunto y profundizar como nos ha afectado a todos esto.

· ¿Te resulta familiar el punto de vista? ¿Puedes identificar de dónde viene?

Sí, me resulta familiar porque me afecta profundamente, al igual que a mi familia.

· ¿Hay más de un punto de vista? ¿Son coincidentes o se contradicen? ¿Aparece alguno como más cierto o correcto que otro?

Existen 3 puntos de vista, mi papá, mi mamá y el mío. Los tres se convergen en uno sólo y exponen un cuarto punto de vista que es contradictorio con los otros tres, ese es el de mi hermano. Es posible que los tres primeros puntos de vista coincidan y se contradigan en ciertas cosas.

· ¿Qué perspectivas pueden haberse quedado fuera del documental?

La de mi hermano.

· ¿Cuál es el tono, énfasis o emoción con que se desarrolla(n) este(os) punto(s) de vista?

El tono es nostálgico al igual que la emoción... Creo que se sentirá en general un ambiente de tristeza y pérdida, casi fúnebre, doloroso y reflexivo.

Convenciones

· ¿Cuáles son la convenciones que este documental incorpora y cómo

(Voz en off/Reconstrucciones de hechos/Material de archivo y fotografías/entrevistas /Talking heads/Cámara al hombro/Gente y locaciones reales)

Utiliza la voz en off, material de archivo y fotografías, entrevistas, gente y locaciones reales. Considero la posibilidad de utilizar reconstrucción de hechos.

· ¿Hace uso de un tipo de convención más que otra?

No, creo que existe un equilibrio entre todas pero es posible que las entrevistas, las imágenes de archivo y las imágenes del 'presente' predominen sobre las demás.

· ¿Por qué eligió este tipo de convención?

Por que creo que me da más posibilidades para desarollar el discurso y el montaje

Voces

· ¿Quiénes son las voces dominantes en el documental? ¿Son fuentes oficiales (representantes del gobierno, autoridades, etcétera), son expertos o especialistas, son gente común? ¿Pertenecen a un grupo étnico especifico?

Son gente común, miembros de mi familia.

· ¿Cuál es su relación con el tema del documental?

Están siendo afectados directamente por el conflicto.

· ¿Sus voces coinciden o se contradicen?

Las voces coinciden en general, ya que son testimonios sobre un mismo tema pero pueden llegar a contradecirse en ciertos puntos.

Estructura

· ¿Cómo está estructurado el documental? ¿Sigue un orden cronológico o usa un orden distinto?

No es cronológico, hay constantes saltos entre el pasado y el presente.

· ¿Qué impacto tiene la estructura en el desvelamiento de la trama y la verdad del documental?

Busco crear un ambiente de confusión también, sintiendo inseguridad y revelando la verdad del documental que es un retrato familiar donde se ha sufrido un daño, una separación de uno de sus integrantes, una perdida casi metafísica.

· ¿Cómo se relacionan la edición y la estructura de este documental?

La edición tiene un papel importante ya que debe contribuir a construir el ambiente sombrío del retrato familiar. Por momentos será muy acelerado, deteniéndose de repente para reflexionar sobre algún punto, buscando una identidad.

Edición, iluminación y sonido

· ¿Qué tipo de edición tiene el documental? ¿Qué tipo de ritmo impone al documental?¿El realizador utiliza la edición como elemento creativo o más bien pasa desapercibida?

Como dije, la edición tiene un papel muy importante porque el ritmo varía muchísimo dependiendo de lo que e esté hablando y quiero provocar un ambiente mediante una edición rápida intercalada con una edición lenta.

¿Qué tipo de iluminación usa?¿Se usa la iluminación con alguna intención dramática?

Creo que como iluminación principalmente quiero usar iluminación natural, ni siquiera busco la utilización de luz casera con focos normales de casa. Por lo tanto, todo sucederá de día y buscando también la mañana y la tarde, donde la luz entra directo por la ventana provocando fenómenos de luz interesantes. Esto tiene como objetivo remarcar parte de una idea mía donde hablo sobre que todos estamos hechos de luz ya que gracias a ella podemos vernos los unos a los otros y sin ella, creo que no sabríamos cómo es nuestra apariencia física, seríamos un extraño éter viviendo en una gran masa perfecta.

· ¿Qué tipo de sonido caracteriza al documental?¿Se utiliza música, con qué intención?

Para el presente, que son los testimonios, utilizaré el sonido directo acompañado de el tono puro de 440Hz que es la misma frecuencia en la que está mi voz, esto interviniendo como ya expliqué en el agua y la imagen se verá intervenida através del agua y el sonido. Escogí el agua ya que es un elemento universal, estamos hechos de agua también y es un lubricante universal, talvez así puede lubricar la dificultad de este tema. El efecto que el agua dará será mostrar que el presente es más nubloso que el pasado, por esta pérdida metafísica que está incluso llegando a afectar el pasado y en el pasado se utilizará experimentación sonora y un poco de noise, aportando al ambiente caótico de todo el documental, intentando expresar el dolor.

Temática

· ¿Cuál es la temática de este documental, de qué trata?

Trata de cómo una familia intenta superar la pérdida metafísica de un familiar.

· ¿En qué se parece y difiere de otros documentales del mismo tipo?

La verdad es que no sé, yo diría que difiere en que trata de mi e intento profundizar en ello lo más que pueda.

· ¿Qué relevancia social, histórica, política o cultural tiene el film?

Tiene una relevancia social, es el retrato de una familia mexicana que seguramente muchas familias lo han vivido o lo vivirán. Es un proceso de madurar, el cual nunca deja de pasar.

El Realizador

· ¿Aparece el director en el documental ya sea en presencia o mediante voz en off o está ausente?

Sí, aparece dentro del documental.

· ¿Cuál es la fama o la reputación del realizador en el mundo del cine?¿Cómo afecta esta reputación a la lectura del documental?

Pues su reputación es nula porque está estudiando cine todavía. Afecta únicamente en que cuando la gente que lo conoce lo vea, entenderá por fin porqué me siento así, ya que con palabras explicarlo es más difícil.

Contexto

· ¿En cuál de las cuatro tendencias de Michael Renov encaja este documental?

Analizar, cuestionar e interrogar.

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ESCALETA


Comienza alternando imágenes del presente, donde estamos mi mamá, mi papá y yo en espacios diferentes,

comenzamos a ser internvenidos por el agua y el tono de 440Hz. Las imágenes comienzan a sobreponerse y el sonido se

envicia un poco más. Cuando todo se vuelva confuso y no se distinga quién es quién, aparecerá la única toma de mi

hermano del presenta, comienza viéndose borroso, intervenido por el agua y los 440Hz, cada vez se vuelve más nítido y

cuando se ve claramente su persona, corte a negros.


Regresando de negros, comienzan las imágenes del pasado, pasan rápidamente en pantalla y son repetitivas, durante

cada segmento hay una selección de imágenes y se repiten cíclicamente, en este momento comienzan los testimonios.

Habla mi madre primero suena su voz primero y se ve ella sobrepuesta en la selección de imágenes en loop, a ratos se ve

ella más nítida pero a veces las imágenes del pasado predominan y sólo queda su voz. Confiesa todo lo que siente sobre

lo sucedido con mi hermano.


Sucede lo mismo con mi padre y hasta el final salgo yo hablando. En este momento, la música y el montaje es más

agresivo, todo se vuelve más borroso y rápido, cuesta trabajo distinguir el pasado del presente hasta que se llega a una

catársis de montaje y sonido, donde hablaremos al mismo tiempo mi mamá, mi papá y yo, hablamos sobrepuestos en la

imagen del presente de mi hermano, donde él luce ausente y sólo queda la representación de él, sólo la imagen.




lunes, 12 de abril de 2010

AMBULANTE // 2010


AMBULANTE:gira de documentales 2010.

Tuve la oportunidad de trabajar como voluntario en Ambulante y esto me dio la posibilidad de ver casi toda la programación del festival. Comentaré sobre los que más me impresionaron. Estos tres cortometrajes de Injerto fueron los que más me gustaron en el festival, o por lo menos fueron los que siento que más me impactaron.

Agarrando Pueblo // Injerto
de Luis Ospina / Carlos Moyolo (1978)
Colombia

Ya se ha hablado de una mirada cinematográfica turística, una mirada objetiva sobre un lugar y una mirada que profundiza sobre ese lugar. Agarrando Pueblo le da un giro inesperado a estas miradas, pareciera que es un corto porno-miseria donde incluso los productores son tan descarados como para admitir que están grabando una porquería y que de hecho dicen que es para la televisión alemana. A lo largo del documental, se ven 2 fotógrafos. Uno que graba con una cámara en blanco y negro, como para un 'making of' y el detrás de escenas, graba al director, al fotógrafo, al productor y todo lo que ocurre al rededor.
El fotógrafo 'real' graba a color y él es el que está captando todas esas imágenes de miseria que se irán a Alemania. En el montaje vemos ambas dimensiones, el making of y la imagen real. El objetivo de este grupo es una supuesta investigación social, persiguen arquetipos sociales horribles y lo hacen descaradamente. Al terminar de grabar, nos dicen que quieren grabar una escena que será actuada, donde se consolidará todo el documental. Esta puesta en escena trata sobre una familia que está en la miseria y según sirve de conclusión para el documental, donde en realidad se quedaría igual que el principio, que todos están jodidos. Lo que me pareció una genialidad de este documental es el final, mientras están grabando la escena final en un terreno que ellos creen vacío, el dueño llega y los corre de su casa muy agresivamente. Pero resultando ser que esta persona era parte también de la puesta en escena. La primera vez que lo vi no me di cuenta, hasta que la escena termina y salen los directores hablando sobre la situación social de Colombia resultando que este vago es en realidad un hombre muy inteligente y conciente de su sociedad, la cultura y el estado socioeconómico.
El director hizo el favor de subir dos fragmentos de su cortometraje y aquí los tengo: Primera Parte y Escena Final
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Postdata (P.S.) // Injerto
de Margaret Salmon (2002)
E.U.A. / U.K.

El trabajo de Margaret Salmon me parece muy interesante, nos trae dos vívidos retratos que hablan muy profundamente sobre lo que es estar viviendo la situación que los personajes están viviendo durante lo que se muestra en el documental. Postdata ó P.S. nos habla de un adulto, nos muestra a este adulto haciendo las labores diarias como es lavar el coche, podar el césped, limpiar la casa y finalmente viendo unos fuegos artificiales en lo que parece un slow motion. Alterno a estas imágenes, el protagonista fuma cigarrillos, les chupa la vida como a él le está siendo chupada su vida por su esposa, durante todo el cortometraje, hay una discusión entre él y su esposa que sucede siempre en off.
Mi primera impresión fue de que ella era su madre, es una mujer totalmente infantil y manipuladora, él es simplemente un perdedor y aunque discutan, se siente que es una relación enfermiza donde ambos se lastiman en lo que una vez oí que le dicen el dilema del puercoespín, entre más cerca están, más se lastiman pero el problema con ellos es de que ninguno se quiere desprender, es una relación donde ambos les gusta ser lastimados y al mismo tiempo les gusta lastimar, al leer la sinopsis me di cuenta de que era su esposa y fue que entendí esto.Al final vemos los fuegos artificiales y nos ayuda a comprender el deseo de este hombre, escapar. Esa es la postdata de este documental, nos recuerda que siempre hay algo que agregar a lo que se ha dicho.
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Ninna Nanna // Injerto
de Margaret Salmon (2002)
E.U.A. / U.K.

El segundo retrato que nos trae Margaret Salmon, es sobre 3 madres de diferentes regiones de la Italia, nos reflejan las distintas etapas (dolorosas y felices) de ser madre. El cortometraje está presentado de una manera interesante, en forma de tríptico y en cada cuadro vemos a una mamá con su bebé. En cuanto al sonido, sólo hay un sonido, o mejor dicho, 3 sonidos que son las 3 madres cantando la canción de cuna italiana 'Ninna Nanna'. Al ver el documental, se siente una profunda tristeza de las madres, siento que están sufriendo algún tipo de estrés postparto. Esta canción italiana es muy sombría, habla sobre una mamá que no sabe qué hacer con su hijo, piensa dárselo a un hombre negro o a una bruja, pero después se recuerda a sí misma que es suyo y lo va a amar igual. Siento que la intención de Margaret es mostrar que en realidad no cantan la canción para apaciguar a sus hijos sino para apaciguarse a sí mismas.

P.S.: Subí el video para que pudiera verlo si no tuvieron la oportunidad. Espero lo disfruten como yo. (Si les pide contraseña, es: documentalyreportaje)

Video para blog from Antidotemotiv on Vimeo.



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Ici et Allieurs // Bi100
de Jean Luc Godard/Anne-Marie Miéville (1976)
Francia

Iré directo al grano. Ici et Allieurs me recordó lo importante que es vivir y luchar por algo. Me recordó a Andrés y todo lo que vivimos hace dos meses, lo difícil que fue todo o lo difícil que sigue siendo superar la pérdida. En específico hablo de una secuencia que me recordó esto. Es durante la conclusión, Godard nos muestra una familia que muy cómodamente vive en su casa donde no pasa nada, como una negación del mundo exterior porque ellos están bien, un comformismo y una hipocresía que hasta da asco. Luego lo contrapone con la guerra de Palestina/Israel y la voz de Godard nos dice, "Acá una familia tranquilamente ve la televisión... Y en otro lugar, la gente muere y lucha por lo que cree". Andrés nos dejó a causa de la delincuencia, una guerra constante, esto mientras la gente vive muy cómoda en sus casa, negándolo, yo alguna vez viví así y no va a volver a suceder. Ici et Ailleurs.

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Mención Especial: All Tomorrow's Partiesde Jonathan Caouette (2009)
U.K.

Incluyo ATP como mención especial porque no lo considero un documental que me haya impactado tanto como los otros, más bien creo que es bastante ordinario pero el tema tratado fue lo que me gustó y creo que tiene buen contenido, además de que la fotografía tiene algunas cosas interesantes y el manejo de diferentes formatos también está muy bien logrado, todo esto en conjunto refleja lo que es el festival, una fiesta impresionante con música que deja la boca abierta y aunque es un documental que podría haber visto en vh1, me gustó bastante y también pude aprender de él, conocí algunas bandas que no conocía y pude apreciar otras bandas que ya conocía e incluso el documental deja un grandísimo deseo de ir al festival, eso es bueno para ellos ya que quien tenga los recursos para ir al festival, estoy seguro de que va a ir gracias a este documental. Este video no es exactamente parte del documental pero sí mencionan a esta gran banda en la película y se les puede apreciar por un breve momento, pueden apreciarlo un minuto y medio si dan click aquí y el interesante trailer de la película.
P.S. (recordando a Margaret Salmon): Tenía que incluir esta imagen ya que al ver el trailer vi esta imagen de Lightning Bolt tocando la canción 13 Monsters y gracias a este documental conocí a Lightning Bolt, en esta imagen aparece su baterista. Él formó parte de los 77 bateristas que estuvieron junto con The Boredoms en el 2007 durante el alucinante concierto de Boadrum 77 y me pareció muy interesante este dato, valía la pena mencionarlo. Se puede sentir el poder del noise en esta secuencia, este magnífico baterista tocando al 100% de su capacidad, rodeado de gente, es interesante porque no hay bardas y los fans están ahí junto a sus bandas favoritas, gritándole a la cara a su baterista favorito.





Cinema Global: Cine D'Generación

D'Generación:
Límites: 1a Persona
de Elías León Siminiani (2007)
España
El primer día que vimos las proyecciones de D'Generación me dejó mucho que desear. No le veía ni pies ni cabeza a lo que nos mostraron y realmente nunca logré entender lo que querían decir. El segundo día de las proyecciones no fue muy diferente, es más, fue peor aún creo yo. No me gusta decirlo así tan crudo pero esque no hay otra manera de calificar eso que vimos, justo creía que no valía la pena el sacrificio que estábamos haciendo porque pasamos más de 4 horas sentados en esas butacas esperando a que algo interesante pasara. Ese momento llegó como a la segunda hora y media, fue esta pieza por Elías León Siminiani. Elías nos cuenta un momento, el amor de dos personas, un viaje que hacen para resolver problemas y el amor que ocurre por este viaje, por el hombre de la cámara. Elías es el camarógrafo y retrata su viaje con su mujer al desierto. A diferencia de retratos sobre viajes que ya hemos visto, este desmenuza un pequeño instante por amor, busca los pequeños detalles rodeados de arena y les limpia todo lo que sobra. Así ya pulido y limpio, quedan poemas visuales y por lo menos para mi, fueron muy conmovedoresm, todo explicado por una voz en off que refleja la personalidad del director que se muestra a sí mismo como un niño que juega con su cámara y ve todas las pequeñas cosas que a veces son más difíciles de ver. El día valió la pena sólo por haber visto este documental que desgraciadamente no pude encontrar completo en la red pero logré encontrar un fragmento, espero lo disfruten tanto como nosotros ese día: ZOOM de Siminiani.
El documental habla de los dos puntos de vista de los amantes de este viaje. Primero cómo Elías lo vio y luego cómo su novia lo vivió. Durante la primer parte, Elías desmenuza estos instantes, donde él jura que la conexión con su novia es mágica, pero el encanto terminar en la segunda parte, donde la voz en off nos confiesa que ella sintió lo opuesto, sintió una extrema lejanía, igual de lejos que los planos abiertos que utiliza Siminiani con su cámara, admite que hizo ese documental para ella, para que no termine con él. Pero sus esfuerzos fueron fallidos ya que ella terminó dejándolo y así, terminando el documental sobre la mágica conexión que hubo entre ella, él y una cámara en el desierto.