Les Maitres Fous // Jean Rouch (1955)

Les Maitres Fous (1955)
de Jean Rouch
Francia

Es difícil hablar de este documental, es aún más difícil entender qué está pasando exactamente. Hay 4 etapas de estado emocional con este documental que creo pueden aplicar para toda persona que vea esta pieza de raros 30 minutos. Primero uno se siente confundido, luego perturbado, luego fascinado y al final uno queda totalmente entrañado a la película. Uno queda realmente entrañado con la película cuando se descubre la conclusión del documental. Me parece interesante cómo Jean Rouch comienza explicando el contexto social de Accra, Costa del Oro para después contraponerlo con las misas espirituales de los Hauka.
Rouch construye ese momento de la misa para primero confundiar y al mismo tiempo perturbar. Al principio uno se muestra interesado sobre lo que va a pasar pero después todo pasa muy de repente, no entiende que va a pasar cuando comienzan a sacrificar al gallo. ¿Con qué fin? ¿Porqué? Pero después me impactó mucho la rápida transformación de los Haukas y es ahí cuando uno comienza a entender o creer que está entendiendo lo que está pasando.

Todo lo que Rouch presenta antes de la misa queda olvidado, ese mundo pareciera que no existiera ahora, ya que vimos esto y estamos presenciando esta perturbadora y dramática misa pero se vuelve aún más interesante cuando se entiende que esto es una forma de suprimir la opresión del mundo occidental, es un ritual necesario para liberar sus almas de esas energías negativas y poder opresor occidentalizado que este pueblo está viviendo. Werner Herzog habla de esta película como un profundo vistazo dentro del más obscuro infierno y abismo del alma humana. Cuando se habla de esta película, sólo hay una forma de terminar y es de la misma manera de la película. Al ver la cara de estos hombres ayer y hoy es difícil evitar preguntarse a sí mismo. Dice que si estos hombres no conocieran este remedio que no los hace ver anormales, más bien los ayuda a adaptarse perfectamente a su entorno, remedio que nosotros no conocemos.

Nanouk L'Esquimau // Robert Flaherty (1922)

Nanouk L'Esquimau
de Robert Flaherty [1922]
Francia
A pesar de haber sido filmado en 1922, el trabajo de Robert Flaherty sigue siendo válido y creo que aún sorprendería a mucha gente. Siempre se dice que esto en esos tiempos era una obra de gran intelecto pero hoy en día lo sigue siendo y saber la verdad detrás de esto sigue siendo impactante o por lo menos yo lo siento así. El documental retrata la vida de Nanook y su familia, en eso cualquiera está de acuerdo pero siempre existe un dilema porque gran parte de lo filmado son representaciones de lo que en realidad sucede, son secuencias que tienen puesta en escena y aún así se siente como documental, esto abrió las puertas para el cinema veritè y eso lo hace aún más valioso. ¿Pero porqué es un documental si no todo lo que graba es como realmente está sucediendo? Varios años Godard explicó que el documental tiene ficción y la ficción tiene documental. Creo que es bastante válido crear un documental utilizando 'mentiras' por decirlo así siempre y cuando aporte para el discurso final de lo que se quiere decir en el documental.Hablando de Nanook y reflejando esto, me recuerda la secuencia inicial donde Flaherty comienza presentando a todos los personajes que es Nanook, su familia e incluso sus huskys. Los presenta también de una manera chistosa y me recuerda a ese chiste clásico que salen 20 payasos de un coche miniatura, ellos quién sabe cómo lo harán pero Flaherty utilizaba la magia del cine y del corte. Nanook llega en su canoa y se sale, baja de la canoa a su hijo, ayuda a salir a su mujer y de la canoa asombrosamente sigue saliendo y saliendo y saliendo más personas, es muy cómico que pase eso porque normalmente no se creería que quepa tanta gente en una canoa.
Bueno pues la magia del cine hizo que me la creyera y así fue durante todo el documental. No cabe duda que Flaherty lograba estas pequeñas genialidades para lograr crear una simpatía humana del espectador y Nanook, poder ver una película y sentirse identificado es para mí una de las mejores cosas que se puede enseñar en una película, es humano y de esta forma se pueden crear retratos perfectos para poder contarle a alguien que no sabe absolutamente nada sobre el tema y pueda entender perfecto cómo es la vida en otro lugar, un retrato preciso y humano. Empezando tan simple como "Este es Nanook, es un Inuit y esta es su familia".
Link para ver esta secuencia: http://bit.ly/USjsV

Autorretrato Sonorovisual

En la liga que existe entre la imagen y el sonido, esta última casi siempre ha dependido de la primera pero eso sí, ambas son igual de importantes. Para este proyecto de autorretrato se me ocurrió un proyecto en el que la imagen dependa visualmente del sonido y de esta forma retratarme a mí mismo ya que a lo largo de mi vida el sonido ha sido un factor importante en mi desarrollo.

La idea que tuve es poner una superficie transparente (vidrio) donde se pondrá un líquido (agua) al que se le pondrá una bocina. Después de esto, crear un sistema de espejos en el que la imagen se proyecte a través del agua que estará siendo intervenida por un tono puro sonoro (440Hz ò La por ejemplo). La idea de esto es encontrar el tono en el que mi voz se encuentra (por ejemplo, sé que mi silbido está en Mi). La imagen, al atravesar el agua que esta siendo intervenida por el tono en el que se encuentra mi voz, se verá afectada por los ciclos del sonido reflejados en el agua, modificando de esta forma la imagen con el tono físico de mi voz. En cuanto a las imágenes, me dedicaré a retratar mi familia, amigos, espacios físicos y a mi mismo, que son las cosas que me definen como persona. También pienso en la posibilidad de utilizar distintos sonidos en el agua.

Dial H-I-S-T-O-R-Y // Johan Grimonprez (1998)

Dial H-I-S-T-O-R-Y
de Johan Grimonprez [1998]
Bélgica

Siendo construida en su totalidad a partir de found footage con excepción de unas cuantas voces en off que fueron grabadas, esta película de Johan Grimonprez es una fuerte crítica visionaria sobre la sociedad mundial, el miedo, el terrorismo, la inseguridad y la dominación global (en pocas palabras). Pareciera que está siendo tratado muy banalmente y un poco como burlándose del futuro de la humanidad pero viene justificado ya que él mismo es parte de esta sociedad y es una reflexión importante del humano y hacia dónde estamos yendo en este juego de a-ver-quién-puede-más que en realidad es como mi-nación-es-mejor-que-la-tuya-y-si-no-te-gusta-toma-esta-bomba. El documental cobra aún más fuerza porque fue hecho pre-9/11 y al ver esas imágenes parece increíble cómo se muestra una "evolución" de secuestros aéreos y se deja abierta la posibilidad de que algo más allá de lo que ya se mostró va a pasar y justamente un par de años después sucede 9-11. Son hechos que han sacudido naciones enteras y a veces hasta el mundo entero. Es muy fácil y directa la pregunta que nos plantea Grimonprez, la cual yo creo que sigue vigente y tiene muchísima más fuerza aún hoy en día. ¿Cómo es posible que esto siga sucediendo y que nadie haya hecho nada todavía para evitar que siga creciendo este problema?

Une Journée d'Andrei Arsenevitch // Chris Marker (2000)

Une Journée d'Andrei Arsenevitch
de Chris Marker [2000]
Francia

Una vez más, Chris Marker regresa con un documental sobre vida y obra de uno de los más grandes cineastas de todos los tiempos, al menos para mí lo es, Andrei Tarkovsky. Más que una película en la que se habla sobre su trabajo, se habla sobre la persona que fue y lo grandioso que era más allá de su cine, me refiero a su forma de ser como persona, con su familia, amigos, sus actores y su país que le dio la espalda mandándolo al exilio. Tarkovsky filmaba para todos ellos, sus películas eran dedicadas siempre para las personas que él amaba y esto significaba para él una especia de autobiografía, porque lo que lo formaba como persona era lo que más amaba. Para mí, Tarkovsky es uno de los cineastas con más influencia sobre mi ideología, más que por su cine, por su forma de pensar es que me sentí identificado siempre, con sus estudios sobre la luz y la imagen y la manera de sentirse con las personas que ama siempre me han parecido magníficas.

Hubo un aspecto en específico que me llamó muchísimo la atención en el documental de Chris Marker y que la verdad me conmovió muchísimo. En el final, pensando en la filmografía de Tarkovsky, él siempre incluyó una gran cantidad de leitmotivs, uno de ellos es el sonido del cucú y en La Infancia de Iván, siendo el primer largometraje de Andrei, al principio suena un cucú donde junto al sonido aparece un niño junto a un árbol jóven. En El Sacrificio, su último largometraje, aparece un niño acostado junto a un árbol jóven que está por morir. Durante la película al niño se le enseña cómo cuidar a este árbol que finalmente muere. Andrei no sabía que esta sería su última película pero como dice el documental, "es un gran cineasta que su magnífica filmografía se encuentra entre dos niños y dos árboles".

Sans Soleil // Chris Marker (1983)

Sans Soleil
de Chris Marker [1983]
Francia

Sans Soleil, es más que un documental, creo que va más allá del registro de imágenes que Marker nos está mostrando en su film. Ya habiendo hablado del cine ensayo en este blog y la clase, la película entra perfectamente dentro de esta descripción, sin embargo, se siente una grandísima diferencia a los films de Vertov y Pelechian. Marker hereda un poco de la poesía visual de Pelechian y el ingenio visual de Vertov, creo que llega a un balance entre los estilos de ambos cineastas ya que conserva una poesía visual que es rica estéticamente y un montaje inteligente con cierto expresionismo donde cada encuadre tiene que ver con el que sigue y el que ya pasó, todo siguiendo una línea temática donde como yo lo veo, se rinde un culto a la imagen, al ser humano y a la luz.

Es cierto, no se puede hacer una película de este estilo en unas semanas, ni meses, ni siquiera en un año, es mucho más minucioso que un documental, en el que se tiene un tema más conciso sobre el que se trabaja. Dentro de un cine ensayo, se tiene que pensar más detenidamente, más profundo y justificarlo. Al ver el documental, me vinieron a la mente varias escenas que he pensado me gustaría incluir en una película o construir una película alrededor de esas escenas construidas en mi cabeza pero ahora las he visto como parte de este todo en el que yo puedo crear un cine ensayo, que probablemente pueda llevarme toda la vida en filmar para poder lograr lo que quiero expresar en estas imágenes. Y así como cuesta crearlo, es igual de difícil de verlo, se necesitan más de una vista para poder atrapar los pequeños detalles y los grandes detalles porque a la primera, uno queda tan impresionado que estos se filtran dentro de nuestros ojos.

Science is Fiction // Jean Painlevé (1928-78)

Science is Fiction
de Jean Painlevé [1928-78)]
Francia

Dando vueltas por los blogs de mis compañeros, al dar con el de Mauricio me atrapó ver lo que él había publicado. Publicó sobre los 10 Mandamientos de Painlevé y al leerlos me pareció como se reflejaba perfectamente en su obra, todo se muestra tal como él escribe en esos 10 Mandamientos y se muestran con tanta pasión que de verdad atrapa al espectador hasta llegar al punto de ser conmovido. Es una experiencia que hoy en día creo que a muchos de nosotros nos impresionó muchísimo a pesar de la gran cultura de imagen a la que nos vemos sometidos diariamente, donde creo que ya es difícil verse impresionado con las imágenes que son mostradas en noticieros o en Discovery Channel o NatGeo que justamente creo que existen gracias a lo magnífico de Painlevé. Esta experiencia es aún más impresionante tomando en cuenta que Painlevé los filmó a lo largo de toda su vida comenzando en el año de 1928, época de cine donde ni siquiera existía el sonido y ver algo así por no-científicos era inimaginable. Aunque Painlevé haya sido rechazado en un principio, él continuó con su obra porque se sentía apasionado, un aspecto importante de sus 10 Mandamientos ya que sin él, la película no vale la pena para nadie. Ver los cortometrajes con el score de Yo La Tengo es una experiencia totalmente distinta a verla con el sonido original que Painlevé pidió a su amigo, no es que una sea mejor que la otra, sólo puedo decir que son diferentes pero ambas son perfectas para la imagen que se muestra, no se me ocurre qué otro tipo de sonorización podrían tener estas imágenes más que esta.

Me parece aún más impresionante la facilidad con la que Painlevé trata sus documentales y con esto me refiero a lo poético que se convierten las imágenes de animales marinos, la forma en que se encuentra la belleza de cada criatura por más extraña o viscosa que sea y la agilidad mental de Painleve para encontrar humor en todas las acciones que los animales pueden tener accidentalmente, como es que por un instante una criatura marina parezca que se está rascando un ojo. Uno de los cortometrajes que me impresionó muchísimo fue el de Cristales Líquidos. No logro entender cómo es que se encuentra algo de este estilo en la naturaleza, son imágenes que me remiten más a la psicodelia de los años 60, que a algo que puedo encontrar dentro de la naturaleza que nos rodea, me noquea. Cabe mencionar también que los 10 Mandamientos pueden aplicarse a todo tipo de cine y creo que en todo tipo de cine tienen que ser pasos a seguir para poder hacer una película, aunque sea malísima, creo que con estos 10 Mandamientos la película podrá tener cosas rescatables e impresionantes, nunca creí que un caballito de mar o un erizo fueran a maravillarme tanto.