Gimme Shelter // 1970

Gimme Shelter
de Albert y David Meysles (1970)
U.S.A.

Este documental a cargo de las manos de los hermanos Maysles sigue a los Rolling Stones durante su gira por Estados Unidos en 1969, gira que terminó en el inesperado desenlace del Festival Altaman, un concierto tan desastrozo y con violencia in crescendo que incluso The Grateful Dead decidió no tocar cuando estaba programado. "That's the way things went at Altamont—so badly that the Grateful Dead, prime organizers and movers of the festival, didn't even get to play" -Rolling Stone. Se buscaba que este concierto superara a Woodstock, teniendo como co-productor del concierto a Michael Lang quien fue de los principales organizadores de Woodstock, se creía posible. Gente drogada, loca, eufórica por la música, Hell's Anges enojados y músicos asustados son el retrato de este documental y una juventud decadente en drogas en un entorno con actuaciones absurdas por las drogas lo envuelven mágicamente.
Los hermanos Maysles generan un grado de confianza con las personas que deciden retratar que logran develar los lados ocultos de estas personas, permiten que todo fluya delante de la cámara, sin intimidaciones ni prejuicios, todo simplemente fluye frente a la cámara como si no existiera, como si fuese un amigo de hace mucho tiempo que ya conoce las debilidades de ese personaje y no se siente intimidado de mostrar miedo o enojo, felicidad o amor. Esto se muestra en especial en la secuencia donde ocurre el asesinato en Altaman, Mick Jagger se muestra realmente asustado.
¿Quién diría que una estrella del rock se sentiría tan intimidado ante la cámara, tan intimidado ante la situación que por unos momentos piense en bajarse del escenario y correr a toda prisa? Incluso recuerdo en particular la secuencia en que al estar revisando el material que los Maysles grabaron, se tiene al teléfono un miembro de los Hell's Angels (quienes fueron contratados para proporcionar la seguridad del evento) y Mick Jagger se muestra realmente temeroso de lo que el Hell Angel dice por teléfono, como si esas palabras realmente les estuvieran pateando las entrañas que es lo que él habría hecho si tuviera la oportunidad de decirle todo eso a Mick Jagger en la cara y que seguramente hoy en día aún lo desean con muchas ganas.

Délits Flagrants // 1994

Delitos Flagrantes

de Raymond Depardon (1994)
Francia

Raymond Depardon vuelve con otra crítica observacional hacia el sistema institucional, ahora enfocándose al sistema jurídico. Por unas semanas, Depardon entra en este interrogatorio donde 14 personajes acceden a ser filmados mientras ocurre el extenso interrogatorio sobre el acto criminal que sucedió horas previas a la filmación de la película, acto criminal del que fueron atrapados en fragante, o como se diría coloquialmente, con las manos en la masa.
Es evidente que la cámara influencia sobre los delincuentes, después de todo ellos accedieron a ser filmados, talvez por cierto carisma que sienten o talvez porque no les importa. Hablando de carisma, me recuerda el caso de una prostituta, que comienza hablando muy firmemente sobre cómo es inocente y al final de la escena, la abogada logra romper el código de la caja fuerte que representa y hace que tropiece, mentira tras mentira dentro de un hoyo que cada ves luce más negro hasta que por fin admite y acepta lo que la abogada le propone.

La manera en que Depardon fotografía este documental es bastante interesante, parece ser que sólo está parado detrás de su cámara, mirando fíjamente al abogado y al delincuente, dejando que las cosas sucedan, no mueve de lugar la cámara, se queda en el mismo lugar, en la misma talla, donde el acusado y el enjuiciador tienen el mismo tamaño, no se toma partido de ningún lado y aunque sabemos que la mayoría de los participantes mienten, la cámara nunca va a mentir. La cámara muestra la verdad, muestra las maneras y microgestos de los delincuentes, pero claro también hay sujetos que son inocentes, o al menos nos logran convencer de ello pero aún así, la cámara respalda su postura.

Juvenile Court // 1973

Juvenile Court
de Frederick Wiseman (1973)
U.S.A.
Utilizando el estilo del direct cinema, Frederick Wiseman filma este documental que hace una vez más una seria crítica sobre las instituciones gubernamentales, poniéndolas en cuestión si en realidad están haciendo un trabajo ético. Este documental se enfoca en el sistema penitenciario para jóvenes delincuentes. Wiseman nos muestra el procedimiento que estos jóvenes están pasando y cuánto lo están sufriendo. Todos en general lucen llenos de miedo y confundidos sobre lo que sucederá, están en la edad en que surge una rebeldía para romper las reglas que los padres imponen pero en realidad siguen dependiendo de lo que ellos les proporcionan, un techo, comida, educación, etc. y a lo que más miedo tienen es al tremendo regaño (por no decir otras palabras) que les van a meter sus papás cuando se enteren. Seguramente eso les pasa por la mente, a cada momento, se ve en sus caras, en sus lágrimas.
Los judiciales utilizan este recurso para aprovecharse de los niños, no creo que se sienta nunca que ellos buscan que los adolescentes pidan perdón y se les de una llamada de atención o servicio comunitario, siempre buscan asustarlos aún más mencionándoles la pena máxima de sus crímenes, enjuiciarlos como si fueran adultos. Esto resulta en secuencias extremadamente crueles, llenas de miedo e impotencia por parte de los niños que saben que cometieron un crimen o hay el caso en el que probablemente no cometió un crimen y se encuentra en la situación más terrible que se le pudo haber ocurrido.
Me refiero al caso de un niño al que se le acusa de abuso sexual, se ve que es un niño que no lastimaría a nadie, usa lentes, es flaco y debilucho, tiene unas cuantas pecas o talvez sea acné y tiene más miedo del que me imaginé que una persona podría tener. Esto se amplifica cuando cruelmente los policías en un intento de sacarle la 'verdad' le dicen que la pena máxima para su caso es la muerte y que seguramente terminará ahí si no confiesa. Es claro que el niño ya no puede llorar más y esta noticia prácticamente hace que se quede sin aliento. Es tan absurdo que un policía le diga esto a un niño que hasta da risa. Y nos hace volver a la pregunta, ¿es ético este trabajo? Evidentemente no lo es, Wiseman.

San Clemente // 1982

San Clemente
de Raymond Depardon y Sophie Ristelhueber (1982)
Francia

15 años después de Titticut Follies, Raymond Depardon y Sophie Ristelhueber nos traen otro documental sobre la ineficiencia de las instituciones psiquiátricas. A diferencia de Wiseman, esta pareja no nos muestra un retrato sobre un hospital psiquiátrico, nos muestra un retrato sobre el abandono que sufren los pacientes, Raymond y Sophie se acercan más a los pacientes, se muestran de manera más cálida y denotan confianza sobre los pacientes y los residentes, se hace un intento por conocerlos y de cierta manera entender sus problemas.Raymond y Sophien logran conseguir la posibilidad de deambular por los pasillos libremente mientras que cada quién puede interrumpir en su trayecto, hablar directamente con Raymond o con Sophie pero no hay un corte para omitir esto, Depardon busca tener una cámara omnipotente, busca que se sienta como un punto de vista donde casi no hay cortes y existosamente logra encuadrar y ajustar el encuadre para ver lo que Depardon quiere que se vea, sea magia, sea astuto o simplemente sea suerte, él logra encuadrar justo el momento exacto donde va a suceder la acción.En particular, recuerdo un momento en que está hablando alguien muy cerca de Raymond y Sophie, comienza a circular alrededor de ellos, repitiendo palabras y frases, a lo lejos se ve más gente caminando en dirección a ellos y Depardon mira hacia el cielo para tomar justo el momento exacto en que un avión sobrevuela el hospital psiquiátrico localizado en Venecia. Me parece interesante porque puede ser una analogía de que a todos ya se les va el avión, incluso a los mismos doctores.

Titicut Follies // 1967

Titicut Follies
de Frederick Wiseman (1967)
U.S.A.

Frederick Wiseman comenzó su carrera como abogado y fue en el año de 1967 que decidió convertirse en cineasta. Cuenta la historia de que Wiseman frecuentaba el Hospital Psiquiátrico de Bridgewater en Massachusetts, donde llevaba a todos sus alumnos que se encontraban estudiando Leyes para que miraran cómo y dónde terminarían los acusados de los casos en los que trabajen. Fue entonces que la mirada reclamatoria de Frederick entró en razón y decidió filmarlo todo.

"My films are based on un-staged, un-manipulated actions... The editing is highly manipulative and the shooting is highly manipulative... What you choose to shoot, the way you shoot it, the way you edit it and the way you structure it... all of those things... represent subjective choices that you have to make..." -Frederick Wiseman.

Wiseman decidió entrar al hospital psiquiátrico, filmar y resolver el tema en la edición pero claramente sabía a lo que se enfrentaba, desde el principio supo cómo se vería el documental y el impacto que tendría porque lo que se muestra está mal. Los pacientes son forzados a comer, a bañarse, a procedimientos quirúrgicos que arriesgan su vida y todo esto es de la forma menos ortodoxa que podría ser. Wiseman entra a Bridgewater con una cámara que observa y que a la vez critica todo lo que observa. Hace un impecable trabajo para delimitar el espacio y mediante este, reflejar la locura y la angustia que implica vivir ahí. Al ver lo mal que se trata a los pacientes sruge la pregunta, ¿quién está realmente loco para tratar a otro ser vivo de esta manera? Es aún más impecable la atmósfera que se crea, de angustia, desesperación, un lugar sombrío y que sobre todo, critica la ineficiencia del sistema americano, el cual se convierte en el discurso de Frederick Wiseman, la crítica al sistema.

Free Cinema // 1953-1955-1956

O Dreamland

de Linsay Anderson (1953)

U.K.

No film can be too personal.
The image speaks. Sound amplifies and comments.
Size is irrelevant. Perfection is not an aim.
An attitude means a style. A style means an attitude.
-Free Cinema

El Free Cinema Inglés fue un movimiento que emergió en los años 50s, buscaba contraarrestar las convenciones del cine Hollywoodense de aquellos tiempos. El término se refiere a la ausencia de la propagandización y el éxito de taquillas.
O Dreamland es el primer cortometraje que se filmó bajo estos parámetros, nunca se buscó que todos los documentales tuvieran la misma narrativa, ni que siguieran una estructura específica pero al verlos se dieron cuenta de que todos contaban con este pensamiento colectivo. Lindsay Anderson nos retrata un parque de diversiones junto con sus usuarios, quienes recurren a este lugar llenos de atracciones que ahora nos pueden parecer absurdas por las nuevas tecnologías. Atracciones tales como el museo de cera donde la gente puede ver las torturas de la Santa Inquisición. Nos lleva a cuestionarnos, ¿porqué debemos recurrir a estos lugares que como dice el título, son la tierra de los sueños? Recurrimos a la idea de que estos lugares nos proporcionarán la diversión que buscamos o seremos capaces de vivir nuestros sueños más profundos.

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Momma Don't Allow

de Tony Richardson & Karel Reisz(1955)

U.K.

Momma Don't Allow es un tributo al libre espíritu juvenil en los años 50s. La película se enfoca en un club de Jazz llamado Wood Green, donde está Chirs Barber tocando un jazz denominado "trad jazz". Este era el sonido 'underground' del que se hablaba en esos tiempos, significaba rebeldía, es como en los 80s cuando se escuchaba el Heavy Metal, se traía el cabello largo y se era muy atrevido. Tony Richardson y Karel Reisz utilizan este antro jazzero para retratar a los Teds y a los Toffs, muestran su rivalidad sobre quién es mejor en socializar, tomar y bailar.
A comparación con O Dreamland, este cortrometraje documental muestra más calidez y simpatía hacia sus personajes, ambos formaron parte del primer programa del Free Cinema pero nunca se pensaron como colaboraciones y de ninguna forma se compartieron manifiestos antes de que comenzara el movimiento. Dentro del documental se muestra un contraste entre los relajados Teddy Boys y sus novias en contra de los "Toffs" quienes parece ser que terminarán con el ambiente amigable de la velada._______________________________________________________

Together
de Lorenza Mazzetti (1956)
U.K.

Lorenza Mazzetti, nacida en Florencia, dirige la tercer película que forma parte del programa del Free Cinema Inglés y es la única ficción que incluso fue rodada en 35mm, nos muestra la vida de dos sordomudos viviendo en Londres, donde los ciudadanos que los rodean los molestan y se burlan de ellos, incluso los niños los tratan mal. Habiendo terminado un primer corte de la película, Mazzetti se lo mostró a Lindsay Anderson y este decidió ayudar con la edición y propuso la adición de sonido así como unas escenas extras, de esta forma, logrando introducir Together al programa de Free Cinema. El film nos da un sentimiento generalizado de soledad, la sordera provoca aislamiento del mundo exterior, el oído es probablemente uno de los sentidos más importantes del ser humano y no escuchar provoca en la persona un ensimismamiento y que por lo general sólo le permite comunicarse con la gente que es como él.
Lo importante de esta película y de todo el Free Cinema, es de que no sólo se retratan lugares o personas, se retratan sociedades, formas de pensar, de actuar y aún más importante, se retrata una época, la gente y el ambiente que existen en esta época. Esto queda aún más claro con Together, ya que además de retratar a la pareja de sordomudos, se retrata a los niños malcriados que los molestan, a las calles del este del Londres y a la sociedad que no les da ningún apoyo o soporte. Se muestra la preocupación por entender a los demás, tesis del free cinema, "ningún filme puede ser muy personal".

The Atomic Cafe // 1982

The Atomic Cafe
de Jayne Loader, Kevin Rafferty y Pierce Rafferty (1982)
U.S.A.

Es interesante lo fácil que se puede manipular la información cuando se tiene una sociedad basada en miedo y desinformación. Es aún más interesante convertir toda esta información en una sátira de la forma en que esto sucedió. Este documental utiliza como único recurso el material apropiado del material propagandístico de los años 50s y 60s en Estados Unidos, le da un giro al emparejarlo con algunas voces en off grabadas o música que le da un tono satírico. Provoca una barroquización del material que de por sí es absurdo y avienta las preguntas, ¿qué tan dispuestos estamos para pensar por nosotros mismos y cuestionar a la autoridad? Citando las sabias palabras de Timothy Leary. Tenemos que preguntarnos a nosotros mismos esto, los ciudadanos americanos se lo debieron haber preguntado también. No digo que no debamos de creer lo que nuestro amado gobierno nos dice, digo que deberíamos de dudar siempre de lo que no nos dicen.

Es un hecho que aún vivimos en una sociedad basada en el terror, este documental reflexiona sobre lo sucedido en Estados Unidos durante la Guerra Fría donde se vivía en un constante miedo de que en cualquier momento podría caer una bomba nuclear sobre las cabezas de cualquier norteamericano, la cual desataría una guerra nuclear a nivel mundial y probablemente exterminara con la vida como se conocía. Los videos propagandísticos del gobierno donde se mostraba una amigable tortuga animaba y enseñaba a sus compatriotas americanos la forma correcta de actuar en caso de una amenaza de que cayera una bomba atómica, verlo ahora me parece absurdo que mostraran eso, luce imposible saber que tuvieron el descaro de mostrar cosas así a los ciudadanos, dándoles falsas esperanzas de que si se agachan y se cubren van a sobrevivir una bomba atómica, una bomba que es probablemente 2, 3 y hasta 10 veces más poderosa que las bombas que los estadounidenses tiraron sobre Hiroshima y Nagasaki para terminar la Segunda Guerra Mundial.

Incluso es desagradable ver la forma en que se banaliza el miedo a la guerra nuclear, haciendo canciones amigables y divertidas sobre la nueva sociedad atómica, se volvió una cultura 'pop' y recurrente y así como dice el título del documental, había lugares con la palabra "atomic". Creo que de las cosas que más me impresionó fue el provecho que el gobierno sacó de esto para vender más y más productos para sobrevivir una catástrofe nuclear, como la idea de construir búnkers subterráneos con provisiones para sobrevivir varios días o utilizar trajes especiales a diario por si en cualquier momento cae la bomba, porque claro esos trajes no van a dejar que las personas se incineren.